Foto: Katalin Deér

Stefan Burger

Stefan Burger (*1977) lebt und arbeitet in Zürich. Von 1999 bis 2003 studierte er Fotografie an der Zürcher Hochschule der Künste (ZHDK).

In den vergangenen 25 Jahren hat Stefan Burger eine konzeptuelle und eklektische Praxis in den Bereichen Fotografie, Film und Skulptur entwickelt, die die materiellen, technischen und institutionellen Bedingungen untersucht, unter denen Bilder produziert, reproduziert und ausgestellt werden.

Seine Werke wurden in zahlreichen internationalen Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt unter anderem in der Kunsthalle Bern, dem Fotomuseum Winterthur und dem Kunstmuseum Stuttgart.
www.stefanburger.ch

Foto: Hannah Cooke

Hannah Cooke

Hannah Cooke (*1986) lebt und arbeitet seit 2008 in Karlsruhe. Bereits während ihres Medienkunststudiums an der Staatlichen Hochschule für Gestaltung (HfG) Karlsruhe und der Universität Amsterdam fanden ihre Arbeiten Eingang in internationale Ausstellungen.

In ihrem Werk setzt sie sich mit den Strukturen und Erwartungen an unsere Gesellschaft auseinander. Wie können Normen aufgebrochen werden? Auf welchen (Macht)Strukturen bauen unsere Systeme auf? Cooke beobachtet, recherchiert, analysiert und schafft neue künstlerische Zusammenhänge. Hierfür bedient sie sich unterschiedlichster Formate und Medien wie Installation, Performance, Fotografie und Video.

Zu wichtigen Wegmarken ihrer bisherigen Laufbahn zählen u. a. die Einzelausstellungen im Museum Ostwall in Dortmund und im Kunstmuseum Heidenheim. Zahlreiche internationale Gruppenausstellungen führten sie zudem in Institutionen wie u. a. das Belvedere 21 in Wien, die La Kunsthalle Mulhouse in Frankreich sowie zuletzt ins Kunsthaus Baselland.
www.hannahcooke.de

Foto: Dominique Brewing

Anna Gohmert

Anna Gohmert (*1983) lebt und arbeitet in Stuttgart. Sie studierte Bildende Kunst an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart und war Meisterschülerin im Weißenhof-Programm. 

In ihrer künstlerischen Praxis arbeitet Anna Gohmert interdisziplinär an der Schnittstelle von Performance, Installation, Text, Film und künstlerischer Forschung. Ihre Arbeit fragt danach, wie Care, Körper und Sprache Beziehungen strukturieren und wie darin Erfahrungen von Geburt und Tod, Sichtbarkeit, Verletzlichkeit und politischer Teilhabe eingeschrieben sind. Dabei versteht sie ihre künstlerische Praxis nicht als autonomes System, sondern als relationales Feld, das in soziale, institutionelle und politische Zusammenhänge eingebettet ist. Ein weiterer Bestandteil ihrer Arbeit ist die Zusammenarbeit und der Austausch mit anderen Künstler:innen, Autor:innen und Zeitgenoss:innen, insbesondere  im Rahmen von Mothers*, Warriors, and Poets, das kollektive Arbeitsweisen, Sorgearbeit und strukturelle Bedingungen künstlerischer Produktion verhandelt.

Anna Gohmerts Arbeiten wurden in Einzel- und Gruppenausstellungen sowie in institutionellen Kontexten im In- und Ausland gezeigt. Sie erhielt zahlreiche Preise, Stipendien und Förderungen. Neben ihrer künstlerischen Praxis übernimmt sie Lehraufträge an der ABK Stuttgart und arbeitet in unterschiedlichen Vermittlungs- und Forschungskontexten.
www.annagohmert.de

Foto: Caragh Turing

Sophie von Hellermann

Sophie von Hellermann (*1975), lebt und arbeitet in London, Margate (UK) und Karlsruhe. Zwischen 1993 und 1998 studierte sie an der Kunstakademie Düsseldorf und war dort Meisterschülerin von Dieter Krieg. Darüber hinaus besuchte sie das Royal College of Art in London und ist Mitbegründerin von hobbypopMUSEUM.

Sophie von Hellermanns Gemälde erinnern an Fabeln, Legenden und traditionelle Geschichten, die eher von ihrem Unterbewusstsein als von bestehenden Darstellungsformen durchdrungen sind. Ihre romantischen, pastellfarbenen Leinwände sind oft so gestaltet, dass sie komplexe Erzählstränge suggerieren. Sophie von Hellermann trägt reine Farbpigmente direkt auf die ungrundierte Leinwand auf. Die Verwendung von breiten Pinselstrichen verleiht ihren Bildern ein Gefühl der Leichtigkeit. Ihre Arbeiten greifen bisweilen auf aktuelle Ereignisse zurück. Sie übernehmen aber auch die Bildersprache der klassischen Mythologie und literarische Motive. Auf diese Weise entstehen weitläufige imaginäre Orte. Thematisch und stilistisch stellt von Hellermann die Fantasie der Realität gegenüber.

Ihre Arbeiten wurden vielfach international in Einzel- und Gruppenausstellungen präsentiert. Seit 2022 ist Sophie von Hellermann Professorin für Malerei an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste in Karlsruhe.
www.kunstakademie-karlsruhe.de

Foto: David Payr

Christian Kosmas Mayer

Christian Kosmas Mayer (*1976) lebt und arbeitet in Wien. Er studierte an der Hochschule der Bildenden Künste Saar in Saarbrücken, an der Akademie der bildenden Künste Wien und an der Glasgow School of Art.

Als bildender Künstler, Autor und Musiker arbeitet Christian Kosmas Mayer an der Schnittstelle unterschiedlicher Disziplinen. Seine medienübergreifenden Ausstellungen und Projekte entstehen aus langfristiger künstlerischer Forschung sowie aus enger Zusammenarbeit mit Expert:innen verschiedener Fachgebiete. Sie verfolgen das Ziel, Geschichte und Gegenwart kritisch neu zu befragen, indem evolutionäre und naturhafte Prozesse in kulturhistorische und wissenschaftliche Kontexte eingebettet werden. Ein zentrales Anliegen in Mayers Arbeit ist die Auseinandersetzung mit Praktiken des Archivierens und Konservierens als Formen geschichtsbewussten Handelns. In seinen Projekten erfahren das Unscheinbare, Vergessene und Obsolete eine Transformation: Sie verwandeln sich in materielle Artefakte, diskursive Objekte, multimediale Installationen und performative Formate.

Er ist Autor und Designer mehrerer Bücher und Mitherausgeber eines Kunstmagazins (www.ztscrpt.net). Zudem spielt und veröffentlicht er Musik in verschiedenen Konstellationen. Christian Kosmas Mayer Arbeiten wurden in verschiedenen nationalen und internationalen Institutionen gezeigt, er wurde mehrfach mit Preisen und Stipendien ausgezeichnet.
www.christiankosmasmayer.site

Foto: Karolina Sobel

Diana McCarty

Diana McCarty ist Künstlerin und feministische Medienaktivistin. McCarty ist eine stolze Chicana aus Albuquerque, sie lebt und arbeitet in Berlin und Karlsruhe.

Ihre interdisziplinären Projekte konzentrieren sich auf Kunst, Gender und die Politik der
Medien. Diana McCarty ist Mitbegründerin von reboot.fm, Berlins freiem Künstlerradio, und der Online-Community faces-l. Sie ist innerhalb der Red Forest-Konstellation aktiv und realisiert experimentelle Veranstaltungen, Audio-, Film-
und Forschungsprojekte. McCarty erhielt Forschungsstipendien von der Kunsthochschule für Medien Köln (KHM), dem BAK, basis voor actuele kunst in Utrecht und der Kone Foundation in Finnland.

Ihre aktuellen Arbeiten drehen sich um die Entschlüsselung des kolonialen Algorithmus und sind Teil der Forschungsinitiative Critical Faculties – BiPoC+ FLINTA* an Kunstakademien. Diana McCarty ist Professorin für Zeitbasierte Medien und Performance (zusammen mit Filipa César) an der Staatlichen Hochschule für Gestaltung (HfG) Karlsruhe.
www.monoskop.org

Foto: Anahita Razmi

Anahita Razmi

Anahita Razmi (*1981) ist eine deutsch-iranische bildende Künstlerin, sie lebt und arbeitet in Berlin und London. Razmi studierte Medienkunst an der Bauhaus-Universität Weimar und am Pratt Institute New York sowie Bildhauerei an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart.

Sie arbeitet mit bewegtem Bild, Installation, Fotografie, Objekten und Performance. In ihrer künstlerischen Praxis setzt sie häufig Strategien der Aneignung sowie kontextuelle, geografische und ideologische Verschiebungen ein. Im Zentrum stehen Fragen von Bildpolitik, Macht, Repräsentation und Identität sowie transkulturelle Prozesse, insbesondere im Spannungsfeld zwischen einem sogenannten „Osten“ und „Westen“. Ihr Interesse ist dabei stets materialistisch begründet und nicht metaphorisch angelegt.

Ihre Arbeiten wurden national und international gezeigt. Für ihr künstlerisches Schaffen erhielt sie zahlreiche Auszeichnungen und Stipendien.

Anahita Razmi lehrt als Senior Lecturer im BA Fine Art am Central Saint Martins, London, und ist Associate Fellow am Research Centre for Transnational Art, Identity and Nation (TrAIN), University of the Arts London. 2024/25 übernahm sie die Professur in Teilvertretung für Digitale und Zeitbasierte Kunst an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart (gemeinsam mit Prof. Heba Y. Amin).
www.anahitarazmi.de

Foto: Demian Bern

Mukenge/Schellhammer

Mukenge/Schellhammer besteht aus Christ Mukenge (*1988) und Lydia Schellhammer (*1992), das Duo lebt und arbeitet zwischen der Demokratischen Republik Kongo und Deutschland.

Ihr Werk ist geprägt von unterschiedlichen kongolesischen und westlichen Malereitraditionen sowie zeitgenössischer Populärkultur. Durch die kollektive Bildproduktion verwischt Mukenge/Schellhammer gängige Klassifizierungen von Autorenschaft, geografischer Herkunft und Gender. Das Duo ist zu einem eigenständigen Wesen mit eigenen formalen Besonderheiten und einer eigenen Ästhetik geworden, zu einem zweiköpfigen Monster, das durch den Druck unserer Gegenwart geformt und deformiert wird. Mukenge/Schellhammer erweitert den malerischen Ansatz auf verschiedene Medien, unter anderem durch die Arbeit mit Virtual und Augmented Reality (VR und AR), Video und Performance. Es entstehen Verflechtungen von malerischen, digitalen und realen Räumen.

Mukenge/Schellhammers Arbeiten werden national und international gezeigt. 2021/22 erhielt das Duo das Stipendium der Akademie Schloss Solitude, 2023 das Stipendium der Kunststiftung Baden-Württemberg.
www.mukengeschellhammer.com

Foto: Sebastian Heck, ato vision

Alex Besta

Alex Besta (*1983) lebt und arbeitet als Künstlerin und Kuratorin in Karlsruhe. Sie studierte bis 2018 kuratorische Studien, Szenografie und Kunstwissenschaft an der Staatlichen Hochschule für Gestaltung Karlsruhe.

Alex Besta entwickelt multimediale Kompositionen und konzeptuelle Räume. Sie überträgt theo­retische Recherchen und persönliche Erkundungen in eine künstlerisch-abstrakte und körperlich erfahrbare Sprache. Die soziologischen, wissenschaftlichen oder poetischen Schriften, die ihr als Ausgangspunkt dienen, werden von Besta neu sortiert und in Klangteppiche, Objekte, Bilder oder filmische Elemente übersetzt, um in einem Gesamtkon­zept zu kulminieren, das den gesamten Raum einbezieht. Das Interesse an der Entstehung sozialer Ordnungen und ästheti­scher Phänomene, immer im Hinblick auf ihren historischen und sozialen Kontext, ist ein wesentlicher Bestandteil ihrer Kunst und findet sich in allen ihren Werken wieder. 

Ihre Projekte wurden bereits vielfach präsentiert, unter anderem auf den Kunstplattformen von ato in Berlin/Karlsruhe, im Format Höhenluft des Kunstvereins Wilhelmshöhe in Ettlingen, im Kunstraum BLECH in Halle, im Künstlerhaus Lauenburg sowie bei der Videonale in Bonn. Neben dem Stipendium der Kunststiftung Bonn erhielt sie 2021 das Stipendium des Künstlerhaus Eisenhammer und nahm am Residenzprogramm X-Keramika der Majolika Karlsruhe teil. Aktuell ist sie Stipendiatin an der Cité internationale des arts in Paris.
Seit 2024 hat sie neben ihrer künstlerischen Tätigkeit auch die künstlerische Leitung und Geschäftsführung am Kunstverein Ettlingen Wilhelmshöhe inne.
www.alexbesta.net

Foto: Lizzy Ellbrück

Lizzy Ellbrück

Lizzy Ellbrück (*1990) lebt und arbeitet in Berlin. Sie studierte an der Technischen Universität und der Universität der Künste in Berlin sowie an der Staatlichen Hochschule für Gestaltung Karlsruhe.

Ihre künstlerische Praxis ist geprägt vom hingebungsvollen Changieren: Sie jongliert mit Sprache, manövriert durch Disziplinen, balanciert Dinge und Zuschreibungen und setzt sich kritisch mit dem Akt des Machens, der Geste des Zeigens und der Politik des Blicks auseinander.
Durch interdisziplinäre Ansätze entwickelt sie eine polymorphe Praxis die von Prozessen der visuellen Kultur, (pop-)kulturellen Phänomenen und ästhetischen Erfahrungen infiziert ist und meist material- und ortsspezifischen Parametern folgt. Dabei beschäftigen sie Strategien der Parafiktion, Praktiken der Dekonstruktion und Methoden der Neuinterpretation. Ihre Arbeiten stützen sich oft auf die Wahrnehmung alltäglicher Motive, habitualisierter Gesten und etablierter Mythen und formulieren hyperpräzise bis dilettantische Techniken und spekulative Szenarien.
Aktuelle Projekte erforschen das (metaphorische) Einnisten anhand von Spuren der Verortung und Souvenirs der Zugehörigkeit oder beziehen den emanzipatorischen Handlungsspielraum im häuslichen Raum als produktiven Austragungsort mit ein.

Lizzy Ellbrücks Arbeiten wurden bisher in Einzelpräsentationen im Badischen Kunstverein Karlsruhe und im Kunstverein Bruchsal (mit Johanna Schäfer), sowie in internationalen Gruppenausstellungen gezeigt. Im Herbst 2024 wird sie ihr Stipendium an der Cité internationale des arts in Paris antreten.
www.lizzyellbrueck.com

Foto: Germain Matviuk

Grischa Kaczmarek

Grischa Kaczmarek (*1992), lebt und arbeitet in Karlsruhe und Freiburg. Er studierte an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe bei Helmut Dorner und an der ENPEG La Esmeralda in Mexico City. 2022 schloss er als Meisterschüler bei Vivian Greven in Karlsruhe ab.

Grischa Kaczmarek untersucht Farbe in ihrer Erscheinung und Physis, wobei er komplexe, klangvolle und kindliche Elemente verbindet. Durch kompositorische Prozesse werden Bildraum und kollektive Geschichten neu verknüpft. Dadurch wird das Erkennbare zugunsten einer neuen Bildsprache verlassen.

Seine Arbeiten wurden im Rahmen zahlreicher Ausstellungen gezeigt, u. a. in Karlsruhe, Berlin, Zürich, Den Haag, Mexico City. Grischa Kaczmarek wurde bereits mehrfach ausgezeichnet, u. a. 2021 mit dem Landesgraduiertenstipendium.
www.instagram.com/grischa_kczmrk

Foto: Iden Sungyoung Kim

Iden Sungyoung Kim

Iden Sungyoung Kim (*1991) lebt und arbeitet in Karlsruhe, Berlin und Seoul. Sie studierte Medienkunst an der Hochschule für Gestaltung Karlsruhe. Zudem erwarb sie ihren Bachelor in Malerei an der Ewha Womans University in Seoul und nahm an einem Gaststudium an der Universität der Künste Berlin teil.

Ihre Arbeiten regen eine kontroverse Diskussion über gesellschaftspolitische Ironie in der Geschichte an und ermöglichen eine kritische Reflexion über aktuelle Probleme. In ihrer recherchebasierten künstlerischen Praxis untersucht sie aus einer historischen Perspektive heraus die politische Polarisierung in der technologischen Entwicklung, die mit dem aktuellen wirtschaftlichen und politischen System verwoben ist. Ihre künstlerische Sprache überschneidet sich mit der diachronen Auseinandersetzung durch visuelle Medien.

Iden Sungyoung Kims Arbeiten wurden international präsentiert, u. a. in London, Berlin, Stockholm, Kyoto, Karlsruhe, sowie Venedig. Sie erhielt bereits einige Preise und Stipendien, seit Mai 2024 ist sie als Stipendiatin an der Cité internationale des arts in Paris.
www.idenskim.art

Foto: Eva Scholl

Kükelhahn

Kükelhahn (G. Kühnhardt Alvarez, *1987), lebt und arbeitet in Frankfurt am Main, Stuttgart und deutschlandweit. Kükelhahn studierte Germanistik und Japanologie an der Universität Trier, Fotografie an der Seian University of Art and Design in Ōtsu, Japan, Kommunikationsdesign an der Hochschule Mannheim sowie Exhibition Design an der Hochschule Düsseldorf.
Das Interview ist das bildhauerische Material, mit dem Kükelhahn die Umgebung für Repräsentationskritik, transkulturelle Grauzonen und kollektiven Wissenstransfer schafft und untersucht. Auf dieser Grundlage arbeitet dey mit Intimität, Empathie und ,Cuteness‘. Gemeinsam erlebte Prozesse finden statt und formen subversive Skulpturen der Teilhabe – Gegengewichte zu diskriminierenden gesellschaftlichen Reproduktionen der Gegenwart. Formal erarbeitete Kükelhahn bisher ortsspezifische, räumliche Begegnungen wie etwa Ruheräume, Podcasts, Fotobücher, Backstuben oder Picknicks.
Seit 2020 konzentriert sich deren Forschungsfeld auf den Kunstkontext selbst. Kükelhahn interessiert die verschiedenen Stadien und Intersektionen von Kunstschaffenden, ihr (Über-)Leben und Arbeit. Um andere Bedingungen für Zusammenarbeit zu spekulieren, fragt Kükelhahn mit der Begrifflichkeit des Träumens nach.
Kükelhahn erhielt kollektiv sowie individuell u. a. das Solitude-Stipendium der Akademie Schloss Solitude (2023/24), den Mannheimer Demokratiepreis (2022), eine Anerkennung des aed Neuland (2021) sowie das Baden-Württemberg-Stipendium (2015).
www.instagram.com/kuekelhahn

Foto: annalehrer

Anna Lehrer

Anna Lehrer (*1988) lebt und arbeitet in Stuttgart. Sie studierte Architektur an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart und war parallel Gast in der Klasse für Fotografie bei Ricarda Roggan. Studienaufenthalte verbrachte sie auch in Tallinn sowie in Hangzhou und Beijing.

Anna Lehrer arbeitet in den Medien Fotografie, Bildhauerei und Installation. Ihre Werke behandeln die Wahrnehmung von zwei- und dreidimensionalen Raumordnungen und erkunden unterschiedliche Formen des Raumgedächtnis.

In der Ausgestaltung der Architektur werden u. a. funktionale Abläufe, ideelle Anschauungen, repräsentative Beweggründe und gesellschaftliche Ordnungen verräumlicht. Gebäude fungieren als Gedächtnisspeicher, welche kollektives und persönliches Erinnern räumlich zugänglich machen. Ihre ortsspezifischen Installationen zielen auf eine Sensibilisierung des körperlich-räumlichen Wahrnehmungsprozesses und die Reflexion dieser Erfahrung ab. Die Fotografie tritt in ihren Werken hingegen als Mittler zwischen zwei- und dreidimensionalen Raumordnungen auf. Bildhauerische Ansätze fließen beim Ergründen von räumlichen Dimensionen innerhalb der Fotografie mit ein.

Anna Lehrers Arbeiten wurden in Gruppenausstellungen u. a. im Kulturpark Dettinger, Landkreis Esslingen, im Museum Folkwang Essen (UG), im Schaulager der Galerie Eigen+Art, F-Stop, Leipzig und beim F-stop Festival für Fotografie in Nürnberg präsentiert.
http://www.instagram.com/anna__lehrer

Foto: Marc Doradzillo

Mirjam Walter

Mirjam Walter (*1993) lebt und arbeitet in Freiburg. Sie studierte an der Akademie der Bildenden Künste Nürnberg bei Michael Hakimi und Susanne Kühn und absolvierte einen Master in Malerei bei Jutta Koether an der Hochschule für bildende Künste Hamburg.

Mirjam Walter arbeitet mit verschiedenen Medien, die durch den Körper, beziehungsweise die Hand Gestalt annehmen. Das Thema, das sich durch ihre künstlerische Arbeit zieht, ist das Leben im Menschenleib. So behandelt etwa die Performance „I, A HYPHEN“, welche 2024 in Kooperation mit Julia Hainz entstand, die (Re-)Produktion von Gewalt durch die hegemoniale Sprache und stellt die Frage, ob ein poetischer/malerischer oder körperlicher Ausdruck den durch Sprache erfolgten Verletzungen etwas entgegensetzen kann.

Mirjam Walter war an der Entwicklung verschiedener Performances, Gruppenausstellungen und kollaborativer Projekte in Institutionen wie der Kunsthalle Basel, der Kunsthalle Hamburg sowie dem Kunstverein in Hamburg und Off-Spaces wie dem Golden Pudel Club, Hinterconti Hamburg oder Edel Extra Nürnberg beteiligt. 2021 konzipierte sie gemeinsam mit Tomasz Skibicki im Kunstbunker Nürnberg die Ausstellung „unheim“. Im selben Jahr erschien ihr erstes Künster:innen-Buch „I AM NO BODY LIKE A HOUSE IS NOT A HOME“ im Hamman Von Mier Verlag.
www.mirjamwalter.com/de

Foto: Julia Hainz

Carmen Westermeier

Carmen Westermeier (*1985) lebt und arbeitet in Stuttgart. They studierte an der Staatlichen Hochschule für Gestaltung Karlsruhe und der Akademie der Bildenden Künste Nürnberg freie Kunst und Medienkunst sowie Ausstellungsdesign/Szenografie und Kunstwissenschaften.

Westermeiers transdisziplinäre, künstlerische Praxis umfasst ein breites Spektrum an Medien, darunter Fotografie, Performance Kunst, Video, Sound und Virtual Reality. They arbeitet häufig mit raum- und ortspezifischen Installationen, um ein immersives Erlebnis für die Besucher*innen zu schaffen.

Inhaltlich untersucht Westermeier vornehmlich die Verflechtungen sowie das Zusammenwirken verschiedener sozialer, kultureller und politischer Diskurse, die unser Verständnis von Identität, Körperlichkeit und Gesellschaft prägen. Dabei besteht ein besonders Interesse darin, wie diese Diskurse in Gegenwart und Historie geformt werden und wie wir sie durch unser künstlerisches Wirken neu interpretieren und dekonstruieren können.

In Westermeiers Arbeit liegt ein Schwerpunkt auf Normierungsprozessen, der aufzeigt, dass Diskurse über Körper und Identität Diskurse der Machtbesetzung sind, die oft durch sexistische, rassistische und klassistische Implikationen geprägt sind. Die Diskriminierung marginalisierter Körper zeigt sich im kapitalistischen Bild des Leistungskörpers, der oft durch Handlungsanweisungen, wie viel Bewegung und einen gesunden Lebensstil zu erreichen sei und einer gewissen zugeordneten Ästhetik zu entsprechen hat. Eine Konstante ist der Ausgang vom eigenen Körper, wobei oft autobiografische Narrationen entfaltet werden und dabei stets ebenso die strukturellen Probleme adressiert werden.

Seit 2014 arbeitet Westermeier häufig im Duo mit Julia Hainz. Aktuell forschen sie zusammen in dem performative artistic research Projekt „The Symbiotic Approach“.
www.thesymbioticapproach.com
www.carmenwestermeier.de

Videostill: Havîn Al-Sîndy

Havîn Al-Sîndy

Havîn Al-Sîndy lebt und arbeitet in Berlin, Düsseldorf und Kurdistan. Sie studierte an der ABK Stuttgart und an der Kunstakademie Düsseldorf, 2018 schloss sie ihr Meisterschüler:innen- Studium in Stuttgart ab. Parallel dazu studierte sie Biologie und Chemie an der Universität Duisburg-Essen.

Havîn Al-Sîndys Arbeiten sind Feld der Bildhauerei, der Malerei und der bewegten Bilder anzusiedeln. In ihrer künstlerischen Praxis beschäftigt sie sich mit künstlerischen und wissenschaftlichen Prozessen zur Sichtbarmachung, zur Findung von Sprachen für Schwer-Sagbares sowie zur Erforschung der Ambivalenzen bei der Herstellung von Sichtbarkeit. Ihre
Arbeitsweise ist dabei prozesshaft und oft kollaborativ. Es findet immer wieder ein Dialog über Generationen hinweg statt. Persönliche und kollektive Erinnerungen und deren Rekonstruktion, Verortung und Entortung sind Themen, die die Künstlerin performativ und installativ bearbeitet, um die Betrachter:innen in die räumliche Dimension ihrer Skulpturen einzubeziehen und sie zur Interaktion mit den Werken zu bewegen. So entstehen Begegnungsräume mit Erfahrungen, die nicht zwangsläufig die eigenen sein müssen, aber Einladungen zum Verlernen vermeintlicher Selbstverständlichkeiten in sich tragen. Havîn Al-Sîndys Verortung in der Bildhauerei zeigt sich in einer konsequenten Arbeitsweise mit Materialien wie Lehm, Gips, Ton, Erde oder massiven Papierbahnen.

Ihre Arbeit wurde bereits vielfach präsentiert, 2021 war sie Stipendiatin der Kunststiftung Baden-Württemberg. Aktuell lehrte Havîn Al-Sîndy an der Hochschule für Bildende Künste in Braunschweig.
www.al-sindy.de

Foto: Belaid Le Mharchi

Anike Joyce Sadiq

Anike Joyce Sadiq (*1985) lebt und arbeitet in Berlin. Sie studierte an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart Bildende Kunst bei Birgit Brenner sowie Intermediales Gestalten bei Discoteca Flaming Star.

Ihre künstlerische Praxis entfaltet sich entlang performativ-poetischer und minimal-konzeptioneller Ansätze. In ihren Installationen kombiniert sie Video, Skulptur, Sound, Musik und Text. Ihre Arbeiten verweben Fragen nach marginalisierten Positionen innerhalb der Dominanzgesellschaft mit den spezifischen historischen, sozialen und räumlichen Gegebenheiten des Ortes. Sie erforscht dabei verschiedenen Dimensionen der Repräsentation, sowohl künstlerisch als auch politisch. Es geht um verkörpertes Wissen und eine Untersuchung der Rolle der Bilderzeugung in und als Politik.
Ihre Arbeit befasst sich auch mit der Art und Weise, wie soziale Dynamiken, Intersektionalität und Perspektiven der Differenz innerhalb institutioneller Strukturen (nicht) verhandelt werden. Ein wichtiger Teil ihrer Praxis ist die Zusammenarbeit mit anderen Künstler:innen, Musiker:innen und Performer:innen.

Anike Joyce Sadiqs Arbeiten wurden in verschiedenen nationalen und internationalen Institutionen gezeigt, sie wurde mehrfach mit Preisen und Stipendien ausgezeichnet. www.anikejoycesadiq.net

Foto: John Loc

Fabian Treiber

Fabian Treiber (*1986) lebt und arbeitet in Stuttgart. Er hat Malerei an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart bei Reto Boller studiert.

In seiner malerischen Praxis hat sich Fabian Treiber rein formal den Sujets des Interieur, des Stilllebens und der Landschaft verschrieben und nutzt diese, um in seinen Werken subjektive Projektionen, das Prototypische der Dinge, Typologien und unsere Wahrnehmung von Wirklichkeit zu hinterfragen. Hierbei trifft der Künstler seine Entscheidungen im Bild immer formal und nicht narrativ. Dabei provoziert er den bewussten Bruch, um so das vermeintlich Falsche zur Qualität der Malerei zu erklären – mit dem Effekt, dass seine Arbeiten irgendwie nicht stimmen wollen, aber doch genau richtig sind.

Für sein künstlerisches Schaffen erhielt Fabian Treiber zahlreiche Preise und Stipendien und stellt in Einzel- und Gruppenausstellung im In- und Ausland aus. www.fabiantreiber.de

Foto: Charlotte Eifler

Charlotte Eifler

Charlotte Eifler (*1985) lebt und arbeitet in Karlsruhe und Leipzig. Sie studierte an der HGB Leipzig, der UDK Berlin und an der Kunstakademie Düsseldorf.

Charlotte Eifler ist Künstlerin und Filmemacherin und arbeitet mit Bewegtbild, Performance, Installation und XR. In ihren künstlerischen Projekten beschäftigt sie sich mit den Politiken von Repräsentation in Verbindung mit Technologie. Mit dem Fokus auf queer-feministischen Ansätzen und Elementen der Science-Fiction erforscht die Künstlerin Prozesse der Bild- und Geschichtsproduktion und die Vorstellungen von alternativen Zukünften.

Charlotte Eiflers Werke wurden international in renommierten Ausstellungshäusern sowie im Rahmen verschiedener Biennalen und Festivals gezeigt. Sie ist Mitglied in den Netzwerken unlearning canon _ intersectional teaching in Art & Design, Digital Critique, feat.fem, FACES – gender,art,technology und G-Edit. Zudem lehrt sie seit 2021 an der HfG Karlsruhe im Fachbereich Medienkunst, 2024 trat sie dort die Professur für Professur Mixed Realities an.
www.charlotteeifler.xyz

Foto: Sofia Hultén

Sofia Hultén

Sofia Hultén (*1972) lebt und arbeitet in Berlin und Stuttgart. Sie studierte am Birmingham Institute of Art and Design (UK), an der Sheffield Hallam University (UK) sowie an der UdK Berlin bei Rebecca Horn. 1997/98 war sie Stipendiatin des DAAD.

In ihrer skulpturalen künstlerischen Praxis beschäftigt sich Sofia Hultén mit Handlungsmöglichkeiten, um eingeübte Wahrnehmungsmuster zu durchbrechen und im Alltäglichen unbekannte Dimensionen aufzuspüren. Dabei zieht sich die Frage nach dem Zusammenspiel von Zeit und Materie als roter Faden durch ihr Werk. Ausgangspunkt ihrer Arbeiten sind meist Gebrauchsgegenstände, die sie auf Spuren untersucht, bearbeitet oder in einem neuen Zusammenhang arrangiert.

Sofia Hultén sammelte Lehrerfahrung u. a. als Gastprofessorin für Bildhauerei an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee und nahm diverse Lehraufträge an (intern)nationalen Hochschulen wie etwa der Valand Academy in Göteborg wahr. 2017 bis 2019 war sie Verwaltungsprofessorin der Grundlehre Bildhauerei an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig und 2021 bis 2022 Vertretungsprofessorin der Klasse Bild Raum Objekt Glas an der Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle. Seit 2023 ist sie Professorin für Bildhauerei an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart.

Sofia Hultén präsentierte ihre Arbeiten bislang in zahlreichen nationalen und internationalen Einzel- und Gruppenausstellungen. 2011 wurde sie mit dem Moderna Museets Vänners Skulpturpris ausgezeichnet. www.sofiahulten.de

Foto: Nadine Bracht

Raphael Sbrzesny

Raphael Sbrzesny (*1985) lebt und arbeitet in Berlin. Er studierte Freie Kunst, Bildhauerei, klassische Musik, experimentelles Musiktheater und Theorie in Stuttgart, München, Bern und Paris.
Er vertritt einen erweiterten Performance- und Bildhauereibegriff und entwickelt multimediale Installationen, in denen tragbare Skulpturen zu Musikinstrumenten werden, und zudem Videos, Kostüme und Text Verwendung finden. 
In seiner künstlerischen Praxis interessiert er sich für den Körper als Instrument und Schauplatz einer subjektiven Geschichtsschreibung. Vor diesem Hintergrund entwickelte der Künstler eine Vielzahl von Figuren wie den „Eumel“, den „König“, „Sophie“ oder den „Principal Boy“, um die herum jeweils komplexe Raumanordnungen entstanden sind. Zentral ist dabei die Idee, Skulptur performativ zu denken und zu aktivieren.

Raphael Sbrzesny Arbeiten wurden in Gruppen- und Einzelausstellungen national und international gezeigt. Von 2018 bis 2023 war er Professor für Kreation und Interpretation mit den Schwerpunkten Sound, Performance und Konzept an der Hochschule für Künste Bremen. Seit 2024 ist er Professor und Studiengangsleiter des neugegründeten Masterprogramms: Musik und Szene in Transformation an der Hochschule für Musik, Musikakademie Basel.
www.raphaelsbrzesny.com

Foto: privat

Helen Feifel

Helen Feifel (*1983) lebt und arbeitet in Berlin. Sie studierte an der Akademie der Bildenden Künste in Karlsruhe bei Meuser und Daniel Roth.

Unter Zuhilfenahme verschiedener Medien und Techniken erforscht Helen Feifel in ihrer Arbeit unterschiedliche künstlerische Praktiken Mit spielerischer Nonchalance verbindet die Künstlerin Bezüge zu Performance und Body Art, abstrakter Malerei, Fotografie und Skulptur. Das Hauptaugenmerk liegt seit einigen Jahren auf dem Prinzip der farbig übermalten Fotografie, aus dem Helen Feifel eine eigenständige Bildform entwickelt hat.

Helen Feifels Arbeiten wurden in nationalen und internationalen Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt. Von 2022 bis 2023 lehrte sie Malerei an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee.
www.helenfeifel.com

Foto: Dominik Bednarek

Kalin Lindena

Kalin Lindena (*1977) lebt und arbeitet in Berlin und Karlsruhe. Sie studierte an der HbK Braunschweig bei Hartmut Neumann, Johannes Brus und Walter Dahn.

Kalin Lindena arbeitet mit Malerei, Installation und Aktion, Fotografie und Video. Ihre Skulpturen und Wandarbeiten setzt sie aus vorgefundenen Objekten und selbst gestalteten Elementen zusammen. Den Ausstellungsraum verwandelt die Künstlerin stets in eine Art Bühne oder Filmsetting, ihre filigranen, fast zeichnerischen „Statisten“ mit Rollgestellen implizieren die Möglichkeit von Bewegung und Tanz. Ausgangspunkt ihrer Arbeiten sind oft Textfragmente aus Musikstücken, die sie in ihre Arbeiten integriert.

Sie erhielt zahlreiche Preise und Auszeichnungen sowie Einzel-und Gruppenausstellungen im In- und Ausland. Seit 2014 lehrt Kalin Lindena als Professorin an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe.

Foto: Cristina Gómez Barrio

Laura Vanessa Galeano Ochoa

Laura Vanessa Galeano Ochoa (*1992, Bogotá, Kolumbien) lebt und arbeitet in Stuttgart. Sie studierte Darstellende Künste an der ASAB in Bogotá und absolvierte den MFA-Studiengang „Körper, Theorie und Poetik des Performativen“ an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart.

Ihre Werke konzentrieren sich auf die Erforschung der möglichen Beziehungen, die zwischen Künstler:in und Betrachter:in entstehen, wenn diese sich ohne weitere Zuschauer begegnen. Ihre kreative Praxis setzt sich aus diesen beiden Körpern zusammen. In Werken wie: „Mantrailing“ (2019), „Spiegelung“ (2019), „Privat“ (2020) und „Duet“ (2021) untersucht Galeano Ochoa das Alltägliche, Intime, Persönliche, Private und Individuelle als Faktoren, die das Kollektiv ausmachen.

2019 gründete sie gemeinsam mit weiteren Künstlerinnen das La Fuchsia Kollektiva e. V. in Stuttgart.
www.lauragaleano.com

Foto: Rosa Zettl

Rosa Violetta Zettl

Rosa Violetta Zettl (*1989, lebt und arbeitet in Heidelberg) studierte Bildende Kunst an der Kunsthochschule Kassel, wo sie bis 2018 Meisterschülerin bei Johannes Spehr war, sowie Skulptur und Installation an der Estnischen Kunstakademie in Tallinn, Estland und Kunstwissenschaft und Soziologie an der Universität Kassel.

Die Beobachtung sowohl biologischer, als auch sozialer Zusammenhänge sind die Grundlage der Installationen, Zeichnungen und kritisch ausbalancierten Assemblagen von Rosa Violetta Zettl. In einer fluiden Sammlung werden Fundstücke mit handgefertigten Plastiken aus Keramik oder Kunststoffen zusammengebracht. Die syntaktischen Kompositionen entwickeln sich zu fragilen Rauminstallationen und behandeln hierarchische Strukturen, Archive und Symbiosen.

Ihre Werke wurden bereits international in Gruppen- und Einzelausstellungen präsentiert, u. a. im Neuer Wuppertaler Kunstverein, im Heidelberger Kunstverein, im Estnischen Museum für zeitgenössische Kunst (EKKM), Tallinn, in der Warte für Kunst, Kassel, im Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz, L40, Berlin sowie im Kreuzberg Pavillon, Berlin. Sie erhielt u. a. das Arbeitsstipendium der Stiftung Kunstfonds Bonn und den Ersten Preis des Young Sculptor Award in Tallinn.
http://www.rosazettl.com

Foto: Josephine Opitz

Lennart Cleemann

Lennart Cleemann (*1990, lebt und arbeitet in Stuttgart) studierte Architektur in Hannover, Aarhus, Basel und Stuttgart. An der Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart war er Teil der Kunstklasse Reto Bollers und fand so seinen Weg in die künstlerische Praxis.

Zurzeit ist er Atelierstipendiat am Künstlerhaus Stuttgart und untersucht Ideen und Vorstellungen von ,Zuhause‘. Er arbeitet mit Raum und Material. Durch die Konstruktion und Abstraktion von Zimmern, Möbeln und Spielgeräten erkundet er seine Umwelt und versucht, ein Verständnis für dessen Prozesse zu erlangen. Das Atelier ist dabei ein Ort der Notwendigkeit. Es wird physischer Schauplatz des Inneren, saugt Launen, Staub und Schweiß auf. Der tägliche Wandel dieses intimen Raums und dessen Beobachtung dient der Erkundung des Selbst.
www.instagram.com/lennartcleemann/

Foto: Anita Ackva

Judith Milz

Judith Milz (*1989, lebt und arbeitet in Marseille und Karlsruhe) studierte an der Staatlichen Hochschule für Gestaltung Karlsruhe und der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig.

In ihren Arbeiten erforscht und entwickelt Judith Milz Möglichkeiten des Erzählens: skulptural, performativ, fotografisch, publizistisch. Ihr Interesse gilt den Beiläufigkeiten und profanen Handlungen, dem Situativen und Anekdotischen. Dabei bewegt sich ihre Arbeit stets zwischen dem, was alltäglich, privat, persönlich erinnert und erzählt wird, und dem, was gesellschaftspolitisch bedeutsam ist. Für die Arbeitspraxis, in der die Künstlerin sich Themen annähert und sie verarbeitet, eignet sich das Bild eines Katalysators oder Durchlauferhitzers als naheliegende Metapher. Häufig beinhalten diese Arbeiten auch performative Praktiken.

Zuletzt hat sich Judith Milz vermehrt mit privaten und öffentlichen Archiven auseinandergesetzt. Als eine Praxis künstlerischer Forschung nimmt diese Beschäftigung wesentlichen Einfluss auf ihre häufig orts- und kontextspezifisch entwickelten Arbeiten.

Seit 2019 beschäftigt sie sich mit der Suche um eine künstlerische Sprache für deutsch-deutsche Geschichte. Ein Vorhaben, das andauert und auf ihrer 10-jährigen Lohnarbeit als Transkriptorin basiert.

Judith Milz erhielt bereits einige Stipendien, 2020 war sie Stipendiatin der Kunststiftung Baden-Württemberg, ab November 2022 ist sie als Stipendiatin an der Cité internationale des arts in Paris.
www.judithmilz.com

Foto: Lisa Bergmann

Karolina Sobel

Karolina Sobel (*1987, lebt und arbeitet in Karlsruhe) hat an der an der Staatlichen Hochschule für Gestaltung in Karlsruhe studiert. Sie hat zudem einen Master in Urbanistik (TU Darmstadt) und studierte Sozialwissenschaften an der EHESS in Paris sowie visuelle Kunst im IUAV in Venedig.

Ihre Interessen umfassen Repräsentationsmodi von sozialen Themen wie Identitätsfindung, Aufbauprozesse von Gemeinschaften, soziale Ausgrenzung und Hierarchien. Für ihre Arbeiten sucht sie nach verschiedenen Darstellungsformen, die es ermöglichen, ihre Erzählung auf der Ebene der multiplen Diskurse zu erweitern. Sie verwendet verschiedene Medien mit dokumentarischem Ansatz, die die Grenze zwischen Fiktion und Realität verwischen. In ihrer Praxis behandelt sie die Fotografie als Werkzeug für die visuelle Forschung.

2020 war sie Stipendiatin der Kunststiftung Baden-Württemberg, 2021/22 erhielt sie ein Stipendium der Cité internationale des arts in Paris. Seit 2020 ist sie Mitglied des Kollektivs für Öffentlichen Protest Warschau („Archive of Public Protest“).
www.karolinasobel.com

Foto: Jonathan Mink

Jacob Ott

Jacob Ott (*1992, lebt und arbeitet im Hoch- und Oberrheingebiet) studierte an der HKDM Freiburg, an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart sowie am Institut Kunst in Basel.

Jacob Ott arbeitet mit verschiedenen Medien – von Skulptur, Objekt, Malerei und Installation bis hin zu Film, Sound und Performance. Die Form seiner Arbeit ergibt sich aus seiner Untersuchung der Gewohnheiten und Symbole, die soziale Arrangements und Institutionen prägen. Ein Großteil seiner Arbeiten befasst sich mit grundlegenden Elementen der Kunstproduktion sowie den einzelnen Komponenten und Strukturen der Institution Kunst selbst. Durch einfache, scheinbar unlogische Eingriffe, sowie durch eine De-Naturalisierung des Natürlichen eröffnet seine Arbeit eine mögliche Reflexion über die oft willkürlichen oder gewaltsamen Trennungen und Regeln, die mit der zunehmenden Kultivierung unserer Welt einhergehen.

Seine Arbeiten wurden in zahlreichen Ausstellungen gezeigt, u. a. in Basel, Freiburg, Leipzig und Mexico City.
www.jacobott.de

Foto: Gin Bahc

Gin Bahc

Gin Bahc (*1985, lebt und arbeitet in Karlsruhe) studierte Malerei an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe.

Die Beschäftigung mit gesellschaftlichen Themen sowie das Verhalten von Menschen in ihrem sozialen Umfeld bilden die Grundlage für das künstlerische Schaffen von Gin Bahc. Sie hinterfragt in ihrem Werk die zunehmende Medialisierung und den scheinbaren Kontrollverlust des eigenen Lebens. Anhand unterschiedlicher Dispositive werden Macht- und Kontrollstrukturen analysiert und finden Zugang in einer erweiterten Raumsprache. Entblößung und Verschleierung, Demütigung, Selbstbestimmtheit und Macht sind dabei wichtige Themen. Ihre Zeichnungen sind der Ausgangspunkt für Installationen und Performances, die das Publikum mit einer assoziativen Bilderflut konfrontieren.

2019/20 war sie Stipendiatin an der Cité internationale des arts Paris, 2021 erhielt sie ein Stipendium der Kunststiftung Baden-Württemberg. Seit dem SS 2022 ist sie Lehrbeauftragte an der Kunsthochschule Kassel.
www.ginbahc.com

Foto: Marlene Glawe

Nils Weiligmann

Nils Weiligmann (*1988, lebt und arbeitet in Karlsruhe) studierte an der Akademie der bildenden Künste Karlsruhe, sowie in Tianjin (CN) und Minnesota (USA). Er war Meisterschüler bei Leni Hoffmann.

Nils Weiligmanns Werke bewegen sich zwischen Objekten und ortspezifischen Installationen. Die zerstörerischen Gesten, die er in die Materialen einträgt, bestimmen seine Arbeiten. Die Objekte kollabieren und ermüden durch das prozesshafte Arbeiten. Sie entwickeln eine Anziehungskraft, die gleichzeitig abstößt.

Die parasitären Installationen ›krallen‹ sich in die Architektur, werden ,übergriffig‘ und definieren die Räume neu. Dabei hebeln sie nicht nur den ursprünglichen Nutzen des Raumes aus, sondern fordern auch von den Betrachter:innen ein neues Verhalten ein.

Seine Arbeiten wurden im Rahmen zahlreichen Ausstellungen gezeigt, u. a. in Karlsruhe, Freiburg, Basel, Köln und Minneapolis.
https://www.instagram.com/nls__int

Foto: Dimitris Savvaidis

Valentina Karga

Valentina Karga (*1986) lebt und arbeitet in Berlin und Hamburg. Sie studierte Architektur an der Universität von Volos.

Ihre künstlerische Praxis bewegt sich zwischen Kunst, Design, Forschung und Architektur. Dabei vereint die Künstlerin Elemente sozial engagierter Praktiken und spekulativer Experimente, die vorherrschende soziale wie physische Infrastrukturen in den Bereichen Energie, Wirtschaft und Nachhaltigkeit hinterfragen.

Valentina Karga ist Gründungsmitglied von Collective Disaster, einer interdisziplinären Gruppe, die an den Schnittstellen zwischen Architektur und sozialem Bereich arbeitet.

Sie war Stipendiatin am Berlin Centre for Advanced Studies in Arts and Science/Graduate School der Universität der Künste Berlin, Saari Fellow in Finnland, NTU-CCA Resident in Singapur und wurde mit der Vilém Flusser Residency for Artistic Research ausgezeichnet. Ihre Arbeiten wurden u. a. im National Museum of Contemporary Art in Athen, der Athen Biennale, der 1. Thailand Biennale, der Konsthall C, der Hippolyte Gallery in Helsinki und in einer großen, von der Whitechapel Gallery kuratierten Ausstellung gezeigt. Seit 2018 ist sie Professorin an der Hochschule für bildende Künste Hamburg (HFBK).
www.valentinakarga.com

Foto: Tommy Støckel

Antonia Low

Antonia Low (*1972) lebt und arbeitet in Berlin und Stuttgart. Sie studierte Visuelle Kommunikation an der Münster School of Design, zeitgleich Freie Kunst bei Ulrich Erben an der Kunstakademie Münster und absolvierte ihren MA Fine Arts am Goldsmiths College, University of London.

Die Irritation von realen Räumen und eingeübten Wahrnehmungen durch installative und prozessuale Interventionen sind das Feld ihrer bildhauerischen, konzeptuellen und künstlerisch explorativen Praxis. Entlang neuer Blickachsen, visueller Überlagerungen, aus Grabungen und Verschiebungen entstehen Reflexionen, poetische Erfahrungen und die Gleichzeitigkeit verschiedenster Realitäten.

Lows Installationen und Interventionen wurden in renommierten Ausstellungsinstitutionen gezeigt, u. a. im K21 Kunstsammlung NRW Düsseldorf, im Palazzo Altemps Römisches Nationalmuseum, im Kunstmuseum Bonn, im Kunstverein Braunschweig und im ISCP New York. Sie erhielt zahlreiche Auszeichnungen, Stipendien und nahm an internationalen Artist-in-Residence-Programmen teil. Seit 2019 ist sie Professorin für Körperraumnarration an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart und leitet dort den Studiengang Intermediales Gestalten.
www.antonialow.com

Foto: Christoph Westermeier

Martin Pfeifle

Martin Pfeifle (*1975) lebt und arbeitet in Düsseldorf. Er studierte an der Kunstakademie Düsseldorf bei Tony Cragg und war Meisterschüler bei Hubert Kiecol.

Martin Pfeifles installative Arbeiten entstehen meist in-situ und beziehen den Umgebungsraum mit ein. Dabei interagieren Raumvorstellung und Überlegungen zu zukunftsfähigen Materialien der Bildhauerei.

Ausgezeichnet wurde er u. a. mit dem Villa Romana Preis Florenz sowie den Förderpreisen des Landes NRW und der Stadt Düsseldorf. Seine Arbeiten wurden in zahlreichen Ausstellungen im In- und Ausland gezeigt, zudem realisierte er vielfach Projekte im öffentlichen Raum. Er war u. a. Stipendiat der Stiftung Kunstfonds Bonn sowie der Kunststiftung Baden-Württemberg und erhielt das Bildhauerstipendium Wilhelm Lehmbruck der Stadt Duisburg. Seit 2021 ist Pfeifle Professor für den Lehrstuhl Körper Raum Struktur an der Hochschule Düsseldorf/Peter Behrens School of Arts.
www.pfeifle.de

Foto: privat

Katrin Ströbel

Katrin Ströbel (*1975) lebt und arbeitet in Marseille, Stuttgart und Rabat. Sie hat Bildende Kunst und Literaturwissenschaft studiert und parallel zur künstlerischen Arbeit in Kunstgeschichte über das Verhältnis von Text und Bild in der zeitgenössischen Kunst promoviert. Sie ist Mutter.

Ihre Zeichnungen, ortsspezifischen Arbeiten und Installationen basieren auf einer kritischen Auseinandersetzung mit den sozialen und geopolitischen Bedingungen, die unseren gesellschaftlichen Alltag definieren. In zahlreichen zeichnerischen Werken und Collagen dekonstruiert die Künstlerin Geschlechterverhältnisse und weibliche Stereotypen. Ihre Arbeit beschäftigt sich zudem mit kulturellen Codes und (visuellen) Sprachen sowie mit Kolonialismus, Migration und Vertreibung, und zeigt, wie stark Gender- und Geopolitiken miteinander verbunden sind.

Seit 2004 hat Katrin Ströbel regelmäßig u. a. in Marokko, Nigeria, Senegal, Südafrika, Peru, Australien und den USA gearbeitet. Sie ist seit rund 15 Jahren international in Einzel- und Gruppenausstellungen vertreten. Zudem lehrt sie als Professorin für Zeichnung an der Villa Arson, École nationale supérieure d’art in Nizza. Seit 2013 arbeitet Katrin Ströbel gemeinsam mit dem marokkanischen Künstler Mohammed Laouli an „frontières fluides – fluides boundaries“, einem plurimedialen Projekt, das sich mit Grenzüberschreitungen und Transitbewegungen zwischen Nordeuropa und dem Mittelmeerraum auseinandersetzt.
www.katrin-stroebel.de

Foto: Eberhard Reuß

Myriam Holme

Myriam Holme (*1971) lebt und arbeitet in Mannheim. Sie studierte Freie Kunst an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe bei Meuser und Andreas Slominski.

In ihrer künstlerischen Arbeit agiert Holme als Grenzgängerin zwischen Malerei, Bildhauerei und Installation. Ihr erweiterter Malereibegriff basiert auf dem Experimentellen und Prozessualen, wobei beides ausgehend vom Material zu betrachten ist. So entsteht eine Malerei, die als expansiv und unabgeschlossen gedacht werden kann und sich nicht in Bestehendes einrichtet, sondern fortwährend in Bewegung bleibt.

Myriam Holme ist bereits vielfach ausgezeichnet worden, ihre Arbeiten sind national und international in Ausstellungen vertreten. Seit 2008 hatte sie zahlreiche Gastprofessuren und Lehraufträge inne. Gemeinsam mit Philipp Morlock gründete und betreibt sie das Einraumhaus c/o und ist Mitinitiatorin des 2020 entstandenen neuen Kunstortes barac – Kunst/Labor/Soziales in Mannheim Franklin. www.myriamholme.de

Foto: ©insistere

Ulf Aminde

Ulf Aminde (*1969) ist Künstler und Filmemacher. Er studierte an der Universität der Künste Berlin bei Lothar Baumgarten.

Seine Produktionen bewegen sich oft im öffentlichen Raum und/oder werden dort gezeigt. Viele von ihnen handeln von oder initiieren Kollaborationen und kollektive Lernumgebungen. In seiner filmischen Arbeit verhandelt er das Potenzial der Selbstermächtigung durch die performative Kamera, Verfremdungseffekte im Dokumentarischen und Strategien der Subjektivierung. Seine Filmarbeiten sind meist durch intensive Zusammenarbeit mit den Protagonist*innen und experimentelle Settings gekennzeichnet. Die jüngsten Arbeiten beschäftigen sich mit sozialen Bewegungen, Erinnerung und Widerstand.

Seine Arbeiten wurden vielfach in renommierten Institutionen präsentiert, u. a. bei der Berlin Biennale 4, der Havanna Biennale, in den KW Berlin, der Volksbühne am Rosa Luxemburg Platz, der NGBK Berlin und am ZKM Karlsruhe, im MARTa Herford, beim Steirischer Herbst, in der Schirn Kunsthalle Frankfurt, der Kästner Gesellschaft Hannover, im Kunstverein Heidelberg sowie im MoCA Taipei. Ulf Aminde ist zudem Professor für Performative Räume an der Weißensee Kunsthochschule Berlin. Dort initiierte er die *foundationClass für Künstler:innen, die aus ihren Heimatländern fliehen mussten und von Rassismus betroffen sind.
www.ulfaminde.com

Foto: Talal Khoury

Rabih Mroué

Rabih Mroué (*1967) lebt und arbeitet in Berlin. Er studierte Theaterwissenschaft an der Libanesischen Universität in Beirut.

Sein künstlerisches Werk umfasst Arbeiten aus den Bereichen Theater, bildende Kunst und Literatur. In seiner performativen künstlerischen Praxis, die an der Schnittstelle zwischen privater und politischer Geschichte, Medienkritik und Konzepten von Autor*innenschaft arbeitet, befragt er unsere Sicht- und Sprechweisen.

Mroué ist Herausgeber von „The Drama Review“ sowie Mitbegründer des Beirut Art Center. Er war Stipendiat am International Research Center „Interweaving Performance Cultures“ der FU Berlin und inszeniert und performt regelmäßig an den Münchner Kammerspielen, auf Kampnagel Hamburg sowie im Hebbel Theater Berlin. Seine Arbeiten wurden zudem vielfach in internationalen Ausstellungen präsentiert, u. a. in der Kunsthalle Mulhouse, im Centro de Arte Dos de Mayo Madrid, im Kunstverein Stuttgart, im BAK Utrecht sowie im MACBA Barcelona, auf der documenta 13, der Performa New York, im Centre Pompidou und der Tate Modern. 2020 erhielt Rabih Mroué den Preis für künstlerische Forschung der Schering Stiftung – in diesem Rahmen präsentierten die KW Berlin 2022 seine Einzelausstellung „Under the Carpet“.

Foto: Annett Kroenert

Annette Kelm

Annette Kelm (*1975) ist Künstlerin und Fotografin, sie lebt und arbeitet in Berlin.

Kelm gehört zu den wichtigsten Vertreter*innen zeitgenössischer Fotografie aus Deutschland.

Ihre konzeptuellen Fotografien beschäftigen sich mit den Konventionen des Sehens und des Zeigens, mit der Konstruiertheit von Bildern sowie der Offenlegung ihrer Produktionsumstände. In ihren Stillleben, Porträts, Landschafts- und Architekturaufnahmen dokumentiert sie moderne Alltagskultur. Aus dem ursprünglichen Kontext gelöst und in neue Konstellationen überführt, evozieren Kelms Motive Assoziationen, die künstlerische, historische und soziokulturelle Referenzen offenlegen.

Ihre Arbeiten wurden international in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen präsentiert, u. a. im Museum Frieder Burda – Salon Berlin, in der Fosun Foundation, Shanghai, in der Kunsthalle Wien, der Kestnergesellschaft, Hannover, im Museum of Contemporary Art Detroit, im MoMa, New York, im Hammer Museum, Los Angeles, im Museum für Moderne Kunst Wien, im MACRO Museum, Rom, in der Staatsgalerie Stuttgart, in der Kunsthalle Hamburg sowie im Kunstmuseum Solothurn. Die Kunsthalle zu Kiel widmet Kelms Arbeiten im Frühjahr 2022 eine Einzelausstellung. Annette Kelms Arbeiten wurden vielfach ausgezeichnet und sind in namhaften Sammlungen vertreten. Im Wintersemester 2021/2022 hatte sie eine Gastprofessur an der HfG Karlsruhe inne.

Foto: Kyungju Kim

Agnes Müller

Agnes Müller (*1989) lebt und arbeitet in Stuttgart. Sie studierte Kunst an der HBKsaar mit Auslandsjahr an der Bahçeşehir University Istanbul sowie Philosophie an der Universität des Saarlandes. 2019/20 war sie Meisterschülerin bei Katharina Hinsberg.

Gegenstand ihrer Arbeit im Bereich Performance und Video sind profane, simple Handlungen – pedestrian movements – sowie repetitive und andauernde Bewegungsabläufe. Diese inszeniert sie auf reduktive Weise und mittels einer klaren Bildsprache fernab eines dramaturgischen Spannungsbogens. Das Publikum bindet sie in ihren Werken immer wieder als bildgestalterisches Element mit ein, hinterfragt und dehnt dabei Bildgrenzen und ihre Rahmensetzungen. Wesentlicher Teil ihrer Praxis ist das Umherschweifen – Promenadologie – sowie das Beobachten alltäglicher Phänomene, Konstellationen und Dynamiken von Körpern im öffentlichen Raum.

Agnes Müller nahm an zahlreichen Artist-in-Residence Programmen teil, u. a. in Berlin, auf der Raketenstation Hombroich und in Stuttgart. Für ihre Projekte erhielt sie regelmäßig Förderungen.
www.agnesmueller.com

Foto: Gergő Magashegyi

Boglárka Balassa

Boglárka Balassa (*1991, lebt und arbeitet in Karlsruhe) studierte Freie und Kunst und Malerei an der Universität Pécs (Hu), an der Muthesius Kunsthochschule in Kiel sowie an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe.

Boglárka Balassas multimediale künstlerische Arbeit ist vielfach geprägt von Materialuntersuchungen und der Abbildung zeitlicher Prozesse. Diese basieren u. a. auf der Beobachtung des Atems. Die in den raumgreifenden Installationen verwendeten handgeknüpften Netze werden von unbewussten Impulsen und dem aktuellen Zustand des Geistes ,gefärbt‘ und damit zu einem Ganzen gewebt. Gewebe haben einen Lebenszyklus: sie werden alt und abgenutzt, wie Lebewesen – für die Künstlerin symbolisieren sie Zeitlichkeit und Vergänglichkeit.

Boglárka Balassas Arbeiten wurden im Rahmen zahlreicher Ausstellungen gezeigt, sie nahm an Artist-in-Residence Programmen, u. a. in Villány (Hu) teil.
www.bogibalassa.wixsite.com

Foto: George Õnishi

Wataru Murakami

Wataru Murakami (*1983, lebt und arbeitet in Berlin) hat Geisteswissenschaften an der Sophia Universität in Tokio studiert sowie Fotografie und Medienkunst an der Hochschule für Gestaltung in Karlsruhe. Seine Arbeit ist geprägt durch seine Biografie, die ihn sowohl mit der japanischen als auch der westlichen Kultur – in ihren europäischen und amerikanischen Ausprägungen – vertraut gemacht hat.

Für seine Prints, Booklets und installativen Arbeiten nutzt Murakami vor allem das Medium der Fotografie. Aktuell beschäftigt er sich mit dem städtischen Raum und hält scheinbar gewöhnliche Gegenstände und Beobachtungen seiner persönlichen Umgebung fest, die sich auf Geschichte, die soziale Existenz der Menschen und den Zeitgeist beziehen.

Werke von Wataru Murakami wurden u. a. in Tokio, Stuttgart, Karlsruhe, Leipzig, Düsseldorf und Neapel ausgestellt. 2018 war er Stipendiat der Kunststiftung Baden-Württemberg.
www.watarumurakami.com

Foto: Miriam Wieser

Anas Kahal

Anas Kahal (*1985) lebt und arbeitet in Freiburg im Breisgau. Er machte zunächst seinen Bachelor of Fine Arts in Damaskus und wechselte dann an die Staatliche Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe. Dort studierte er bei Helmut Dorner und Kalin Lindena und nahm 2016/17 am dortigen Meisterschüler*innenprogramm teil.

Seine experimentelle Arbeitsweise zeichnet sich durch das Austesten verschiedener Ebenen und die dabei entstehenden Bildüberlagerungen, sowie die Kombination von physischen Objekten und Videoprojektionen aus. Hinterfragt wird dabei die Interaktion der Bewegtbilder im Raum. Eine wichtige Komponente ist für den Künstler das Spiel von Licht und Schatten, hell und dunkel genauso wie analog und digital. Dabei stellt das Technische ein zentrales Element seiner Arbeiten dar.

Neben der Ausstellungstätigkeit in Deutschland, sowie international, wurde Anas 2019 mit dem Studienaufenthalt an der Cité internationale des arts in Paris gefördert.
www.anaskahal.com

Foto: Thomas Georg Blank

Thomas Georg Blank

Thomas Georg Blank (*1990, lebt und arbeitet in San Diego und Darmstadt) wurde zunächst in Kultur- und Medienpädagogik ausgebildet, bevor er an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe sowie in Mexiko-Stadt Kunst studierte.

In seinen künstlerischen Projekten, die zwischen Forschung und spekulativen Interpretationen oszillieren, untersucht Blank, wie räumliche und gewohnheitsmäßige Darstellungen individueller und kollektiver Imagination die Welt, in der wir leben, beeinflussen und umgekehrt. Indem er multidirektionale, räumliche Erzählungen schafft, bietet er den Betrachter:innen einen Rahmen für Rekonfiguration und Perspektivenwechsel.

Seine Werke und performativen Interventionen waren in zahlreichen Ausstellungen vertreten, u. a. im HeK Basel, im Historischen Museum Frankfurt, in der Kunsthalle Darmstadt, bei Blue Star Contemporary und C/O Berlin. Seine Arbeit wurde bereits mehrfach ausgezeichnet, 2018/19 war er DAAD-Stipendiat am Center for Human Imagination der University of California San Diego.
www.thomasgeorgblank.de

Foto: Jonas Zilius

Susanne Kriemann

Susanne Kriemann (*1972) lebt und arbeitet in Berlin und Karlsruhe. Sie studierte in Stuttgart bei Joseph Kosuth und Joan Jonas und nahm am Programme de recherche an der École nationale supérieure des beaux-arts in Paris teil.

Susanne Kriemanns künstlerische Praxis ist durch einen erweiterten Fotografie-Begriff gekennzeichnet. Dabei wird das Aufzeichnen als fotografisches Prinzip innerhalb spezifischer sozialhistorischer Kontexte untersucht. Ihre Arbeitsmethoden reichen von der Recherche in Archiven über Feldforschung bis hin zur Anwendung verschiedener fotografischer Aufnahme- und Druckverfahren. Neben einer Reihe von Publikationen über ihre Arbeit sind seit 1998 siebzehn Künstlerbücher entstanden.     

Susanne Kriemanns Arbeit wurde international in renommierten Ausstellungshäusern sowie im Rahmen verschiedener Biennalen und Festivals gezeigt. Darüber hinaus nahm sie an zahlreichen Artist in Residence-Programmen teil und war bis 2017 Advisor bei der Van Eyck Akademie, Maastricht. Gemeinsam mit Aleksander Komarov gründete sie das Residenzprogramm AIR Berlin Alexanderplatz. Seit 2017 lehrt sie als Professorin für künstlerische Fotografie an der Hochschule für Gestaltung in Karlsruhe.
www.susannekriemann.info
Interview mit Susanne Kriemann

Foto: Jeremiah Day

Jeremiah Day

Jeremiah Day (*1974) lebt und arbeitet in Berlin und Amsterdam. Er studierte Kunst an der Universität von Kalifornien, Los Angeles und absolvierte anschließend ein Residency-Programm an der Rijksakademie in Amsterdam. 2017 promovierte er an der Freien Universität Amsterdam mit einem praxisbasierten Projekt, in dem er an einer zeitgenössischen Auseinandersetzung mit der Rolle der Kunst in unserer Zivilgesellschaft forschte.

In seinen recherchebasierten Arbeiten verbindet Jeremiah Day Fotografie, Text, Performance und Tanzimprovisation, um die Geschichte einzelner Orte und Ereignisse zu beleuchten und auf deren Eingebundenheit in größere historische Zusammenhänge zu verweisen.  Seit zwei Jahrzehnten setzt er sich zudem intensiv mit Tanz auseinander und arbeitet regelmäßig mit der Pionierin des postmodernen Tanzes, Simone Forti, zusammen. 

Seine Installationen, Performances und Vorträge waren u. a. im Badischen Kunstverein (2020), im KW Institute for Contemporary Art, Berlin (2017), am Centre Pompidou, Paris (2014) sowie am Stedelijk Museum Amsterdam (2012) zu sehen.
www.thisisarcade.art/artists/jeremiah-day

Foto: Brigade Partisan Heslach

Georg Winter

Georg Winter (*1962), lebt und arbeitet in Saarbrücken, Stuttgart und Budapest. Er studierte an der Merz Akademie sowie an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste in Stuttgart Freie Grafik und Malerei.
Kennzeichnend für seine künstlerische Praxis sind temporäre Laboratorien, urbane Situationen, Self Organizing Performances sowie Forschungsprojekte in einem fächerübergreifenden Arbeitsfeld. Seit den 1980er-Jahren zählt Georg Winter zu den Aktivisten der »Expanded Media« und der raumbezogenen Experimentalkunst.
Seit 1994 lehrt er u. a. an der Universität Stuttgart, der Merz Akademie Stuttgart, der Hochschule für Gestaltung und Kunst Zürich, der AdBK Nürnberg, dem EZP Europäischen Zentrum für Promenadologie Völklingen und seit 2007 als Professor für Bildhauerei/Public Art an der HBK Saar. Er ist Gründer der forschungsgruppe_f in Zürich, der Arbeitsgemeinschaft Retrograde Strategien Berlin, des Urban Research Instituts Nürnberg, des S_A_R Projektbüros in Völklingen, sowie der AG AST (Arbeitsgemeinschaft anastrophale Stadt) und Volume V Mannheim.
www.hbksaar.de/personen/details/winter

Foto: Christiano Clunez

Karsten Födinger

Karsten Födinger (*1978) lebt und arbeitet in Berlin. Er studierte an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste in Karlsruhe bei Meuser und Günter Umberg und schloss 2009 seine Ausbildung als Meisterschüler ab.

Seine zumeist aus einfachen Baumaterialien gefertigten Arbeiten bewegen sich im Spannungsfeld zwischen Architektur und Skulptur. Neben Großskulpturen für und im Innenraum zeichnet sich die Arbeit von Karsten Födinger insbesondere durch skulpturale Interventionen im öffentlichen Raum aus, in denen der konkrete Ort sein Ausgangsmaterial ist und der historische und kulturelle Kontext stets mit einbezogen wird.

Seine Werke wurden in zahlreichen Einzelausstellungen gezeigt, u.a. im Kunstverein Mönchengladbach (2018), im Antenna Space, Shanghai (2015) und im Palais de Tokyo (2011). 2012 wurde er mit dem Baloise Art Prize, Art 43 Basel Statements, ausgezeichnet.
www.foedinger.de

Foto: Daniel Laufer

Daniel Laufer

Daniel Laufer (*1975) hat an der Hochschule für bildende Künste Braunschweig bei Birgit Hein, Marina Abramovic und Walter Dahn studiert, bei dem er 2004 als Meisterschüler abschloss.
In seinen Videoinstallationen untersucht er die Ästhetik des Filmemachens. Mit verschiedenen Illusionstechniken aus der Filmgeschichte schafft er ein Theater der Wahrnehmung, das mit Sprache und Schrift, Szenerie, Malerei, Zeit und Performance spielt. Die Installationen ermöglichen es dem Betrachter, den Raum des Produktionsprozesses zu betreten und das intermediale Kunstwerk zu vervollständigen.

Seine Arbeiten wurden national wie auch international gezeigt u. a. Artists Space, New York, Kunstmuseum Bonn, Jüdischen Museum Frankfurt, Jüdischen Museum Berlin,
Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Kunstverein Harburger Bahnhof, Hamburg, HKW, Berlin und KW Institute for Contempory Art, Berlin.
www.daniellaufer.info

Foto: Marc Doradzillo

Schirin Kretschmann

Schirin Kretschmann (*1980) lebt und arbeitet in Berlin und München. Sie studierte Kunsterziehung, Freie Kunst und Germanistik an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe, an der ENPEG Esmeralda in Mexiko City und an der Universität Freiburg.

Mit ihrer künstlerischen Praxis bewegt sie sich im Spannungsfeld von installativer Malerei und prozessualen Werkformen. Neben Arbeiten im öffentlichen Raum und im Kontext von Kunst am Bau hat sie Ausstellungen für internationale Institutionen realisiert und ist vielfach mit Preisen und Stipendien ausgezeichnet worden. Schirin Kretschmann ist regelmäßig in verschiedenen interdisziplinären Forschungszusammenhängen und kuratorischen Projekten tätig und untersucht Malerei im erweiterten Handlungsfeld im Rahmen eines künstlerisch-wissenschaftlichen PhD-Projektes an der Bauhaus Universität Weimar. Sie hat an internationalen Kunst- und Designhochschulen unterrichtet und ist seit WS 2020/21 Professorin für Malerei an der Akademie der Bildenden Künste München.
www.schirinkretschmann.de